摘 要:AIGC 介入《清明上河图》的数字修复与场景重构,使该画作的视觉呈现从写实转变为生成。散点透视的空间组织方式在算法驱动下被离散并重新组合,形成分支化、多视角的动态叙事。本文通过对比传统视觉规律与 AIGC 生成图式差异,提出“生成式空间叙事”概念,即 AIGC 重构在保留原作视觉元素的基础上,创造了可交互的空间叙事类型,为传统绘画的数字活化提供了新的理论参考。
摘 要:榆林窟第3窟开凿于西夏统治瓜州的晚期阶段,窟内《文殊变》《普贤变》中的山水画呈现出鲜明的中原风格,与五代至两宋山水画一脉相承。本文以郭熙“三远法”为理论视角,分析该窟壁画中“高远”“深远”“平远”的图绘实践。工匠们有意识地运用中原山水画的空间营造手法,通过主峰耸峙、烟云锁腰、前后掩映、墨色渐变等方式,分别表现佛菩萨的崇高神圣、佛法的深邃无尽、普度众生的平远意境。榆林窟第3窟的壁画艺术,印证了西夏时期西域与中原虽分属不同政权,但多民族文化在此汇聚融合,共同创造出独特的视觉语言。
摘 要:董其昌的“南北宗论”影响文人画“中正”典范的确立,推动了后世绘画生态变革。董其昌的“分宗”不是风格划分,而是以确立“中正”为目标。该理论超越个人绘画主张,推进文人画体系进一步发展,将南宗文人画从风格上升为主流。南北宗论为明清文人画传统的转型与发展提供了规范与动力。
摘 要:文章将改革开放以来中国主题性绘画划分为三个主要阶段:复苏转向期(1978—1989)、多元探索期(1990—2011)、深化繁荣期(2012—至今)。通过系统分析得出各阶段创作均与社会转型、重大事件深度契合,呈现出从反思历史到多元记录、再到彰显文化自信的时代特征。重大社会事件为创作提供素材与精神内核,主题性绘画以视觉形式留存时代记忆,题材涵盖政治、经济改革、民生发展等多元领域。同时,其艺术表达随时代不断革新,叙事方式从宏大叙事趋向微观叙事,人物塑造侧重个体性,绘画语言融合传统写实与现代手法,兼顾历史思辨与人文关怀,不断彰显独特的时代文化价值。
摘 要:海德格尔、夏皮罗与德里达围绕凡·高画作中鞋履归属展开的论争,通常被视为哲学阐释与艺术史考据之间的对垒,但这种理解遮蔽了论争中更深层的认识论问题。德里达介入这场争论,并非为了提供关于鞋子归属的第三种答案,而是试图揭示海德格尔与夏皮罗所共同遵循的“归属权逻辑”,双方都预设作品意义必须被“归还”给某个终极主体。通过细读《绘画中的真理》中关于“复原”(restitution)、“尺码”(pointure)与“边饰”(parergon)的论述,可以考察解构策略在艺术史阐释中的具体运作方式。在此基础上,本文结合当代学者对这场论争的反思,围绕作品物质痕迹的限定、话语制度位置的自觉以及互文网络的开放等方面,讨论了解构之后艺术史解释可能面临的约束性问题,并就解构作为艺术史内部一种自反机制的可能性提出了初步思考。
摘 要:文章以盛唐时期李思训《江帆楼阁图》与王维《江干雪霁图》为研究对象,跳出“南北宗论”的二元对立叙事,转借滕固融合风格史与形式分析的学术视角,运用引入沃尔夫林的五对形式分析框架,对两幅作品进行视觉结构的客观比较。沃尔夫林的形式分析法探讨这两幅画作在技法语言、空间构建与审美理想上的根本差异,并论证其差异是同一时代精神下艺术本体语言的自然分化。论证二者实为同处盛唐气象下,共同指向“致广大而尽精微”的时代艺术精神。
摘 要:宋代是中国美术史发展的鼎盛时期,在绘画艺术方面不同于唐代的奔放绚烂,而是追求简约含蓄的审美表达。女性图像作为宋朝艺术创作的重要题材,散落于绘画、雕塑、陶瓷等各类载体之中,成为映照时代精神的棱镜。文章以宋代女性图像为研究对象,结合具体遗存作品,从造型、色彩、构图三个维度梳理其艺术表现特点,将图像置于宋代社会背景、思想文化与生活场景中,挖掘其背后承载的女性社会地位、审美取向与文化精神。研究摒弃流于表面的概念化解读,以贴近历史语境的视角,展现宋代女性图像从艺术表达至文化内核的完整脉络,为理解宋代艺术与社会提供一个具象的切入点。
摘 要:燕文贵为北宋山水画家,画史中记载其作品有“至为精备”“尽得情状”的特点。《送粮图》为长卷绢本风俗画,卷尾树干中暗藏落款“燕文贵制”四字,许多观点认为《送粮图》为燕文贵所绘。梳理画史文献可见,《送粮图》风貌与文献所载燕文贵的艺术特征截然不同。对比《送粮图》与《江山楼观图》,二者款识文字的结体构造、运笔特征也有较大差异。由《送粮图》建筑形制考察可见,画中所绘城门、钟楼、鼓楼与北宋建筑规制相悖,据此推断《送粮图》并非燕文贵真迹,其绘制年代应晚于宋末元初。
摘 要:“晋爵”意象源于商周礼器“爵”,于战国时期演变为标志社会等级的爵位制度,其最早的图像表达可见于汉代墓葬艺术中的相关意象。明代,在科举文化推动下,“晋爵图”发展出以“献爵”动作为核心的范式。至清代,该题材在宫廷艺术与市民文化驱动下广泛传播,于年画中被提炼为“天官持爵”的符号,在瓷器上则与多种吉祥纹样结合,呈现日趋繁复的面貌。这一主题借助多媒介的差异化表达,展现了其从明代范式确立到清代在各阶层普及的发展过程。
摘 要:唐寅作为明代吴门四家之一,其创作风格有别于沈周、文徵明的文人风雅,也有别于仇英的精细严谨。他作画题材多样且画风不拘一格,尤以仕女画而广为人知。唐寅笔下的仕女画呈现纤细的病态美,这不仅是对社会文化的映射,更是个人经历的凝结与映照。因此,文章以唐寅的仕女画《陶穀赠词图》为切入视角,探讨该画作背后所传达的精神感伤。
摘 要:在中国绘画历史长河中,恽寿平在山水和花鸟画领域都留下了极具分量的艺术印记,他身为“清初六家”之一,在其艺术创作与绘画理念中,“逸”是他的核心美学范畴。自唐宋绘画美学品评体系确立以来,“逸”逐渐变成了众多文人追求的目标,历代画家对它的诠释各有侧重,而恽寿平以其独特的绘画艺术,为“逸”境注入了前人所未及的内涵。
摘 要:《点石斋画报》作为晚清最具影响力的新闻画报,开创了具有现代性特征的视觉叙事范式。文章探讨了画报如何凭借“观客”形象重构图式语言和视觉经验,并引发读者共鸣,达到隐性启蒙的目的。作为近代中国视觉现代性的重要样本,透过画报特有的图像生产机制与视觉表现惯例,重点梳理和分析“观客”形象的塑造方式及其呈示规律,并深刻揭示“观客”形象背后的多维图像功能及其文化内涵,为当下视觉文化的设计建构与大众传播提供参考与启发。
摘 要:苏天赐作为20世纪著名油画家,他创造性地将中国传统绘画题材“瓶花清供”的精髓融入到油画中。在融汇中、西方艺术理念的过程中,苏天赐通过对油画民族化的不断探索与试验,呈现出颇具中国传统审美文化特色的油画艺术。通过分析苏天赐“瓶花清供”题材油画的题材、构图及笔法,探索该题材作品对传统清供图的继承与发展,从而揭示中国意象油画在中西融合沁润下的独特魅力和艺术价值。
摘 要:从考察章怀太子墓的历史语境与墓葬空间的视觉结构出发,揭示墓葬选址、两次营建与壁画布局中所铭刻的政治秩序与伦理诉求,并对经典壁画展开深入的画面分析,继而将章怀太子墓壁画与西方生死艺术传统进行观念对照,在中西比较的视野中凸显其含蓄的独特美学特质,最后探讨章怀太子墓壁画对当今中国人物画创作的启示。章怀太子墓壁画以高度世俗化的方式完成了对彼岸世界的想象性构建,为全球语境中的丧葬美学讨论提供了一个不可替代的样本,也为当代艺术在全球化语境中寻找自身的文化根基提供了重要参照。
摘 要:随着中西艺术交流的发展,西方艺术在中国学术界的关注度持续提升。以15世纪佛罗伦萨画家波提切利为研究对象,分析其绘画艺术在中国的研究发展状况与趋势。运用文献分析法、归纳整理法,通过对波提切利相关文献进行系统梳理,从主题与精神内涵研究、艺术语言与风格研究、作品专题研究三个观察视角进行归纳整合,分析不同观察视角下对于波提切利及其绘画艺术的研究。指出学界对其研究的不足与进展,对未来波提切利研究的发展方向提出展望。
摘 要:潜意识是人们内心深处最真实的想法与情感,而梦境是潜意识外显的重要途径。梦境不仅为艺术家们打开了自我探索的大门,在梦境中出现的画面也为艺术创作带来了新的血液。超现实主义画家通过将梦境与现实相结合,运用梦境的象征性和隐喻性,最终进入了精神的深层领域,实现了自我挖掘的目的。文章以保罗·德尔沃为案例,从精神分析学角度出发,考察其绘画中“梦境”的表现方式与“真实”的多层含义。德尔沃通过具象的绘画语言、荒诞的意象组合以及个人化符号,构建了一个独立于现实逻辑但更贴近内心本质的“真实”世界。
摘 要:探讨大卫·霍克尼如何将中国卷轴画中的“游观”逻辑转译为当代图像实践的方法资源。针对西方焦点透视与摄影机制所形成的单一视点、瞬间凝固和身体缺席等问题,霍克尼自1983年接触中国长卷后,逐渐将创作重心由“再现对象”转向“再现感知”。在摄影拼贴、巨幅绘画与多屏影像中,他并非简单挪用中国图式,而是吸收卷轴画的移动视点、时间展开与观看路径,将其转化为现代媒介中的空间组织方式。霍克尼的跨媒介实践突破了画框和镜头的边界,强化了观看中的身体在场,显示出中国传统视觉机制作为当代“时空方法论”的转换潜能。
摘 要: “组织活动”是阿尔瓦·诺伊在《艺术与人性》一书中提出的概念, 指人类通过直觉获取信息并将其重组形成认识的活动, 这种活动受到认识能力的影响, 并且会反作用于人的认识。大卫·霍克尼是20世纪极具有影响力的艺术家, 他对绘画题材与风格进行了大量的实践和探索, 不断地进行创新, 给予观众不同的视觉体验。以往对大卫·霍克尼作品的研究多是从颜色和构图出发, 从认识的转化方面进行的研究较少, 但把其作品从与“组织活动”相关联的角度进行分类分析后会发现, 将“组织活动”体现在画面中的能力, 对大卫·霍克尼的作品能够长久保持活力且深受欢迎起着不可忽视的重要作用。
摘 要:艺术家托马斯·赫希豪恩长期以纸板、胶带、铝箔等廉价材料构建出大量临时性、破败化的雕塑作品,其作品常被归入参与式艺术、公共艺术或政治艺术的讨论之中。依托景观社会批判与鲍德里亚拟像学说的理论分野,以赫希豪恩的废墟式雕塑为研究对象,将其置于当代资本主义视觉文化与符号生产机制之中进行剖析。赫希豪恩的废墟并非对现实废墟的再现,而是一种主动建构的批判性视觉结构。通过对廉价材料、边缘空间、信息过载与拟像符号的持续挪用和重组,赫希豪恩在景观社会内部制造出一种持续失效、不断崩塌的废墟状态,使原本被自然化的消费逻辑、空间秩序与符号权力显露出脆弱性与历史性。赫希豪恩并未试图恢复某种被遮蔽的真实,而是在全球化资本主义已经深度渗透日常生活的条件下,通过对景观、拜物教与拟像机制的物质性干预,探索艺术介入现实结构的新的可能性。
摘 要:20世纪50年代初,为配合《中华人民共和国婚姻法》的宣传贯彻,美术工作者创作了大量相关主题的新年画。这些作品主要围绕婚礼仪式、婚姻登记和夫妻共同劳动等场景展开,传播了婚姻自由、男女平等和依法登记等新婚姻观念。通过对这些新年画的分析,可以看到国家如何借助大众视觉文化实现法律知识传播、婚姻观念重塑和社会价值建构。新年画也因此成为观察新中国婚姻改革、社会变迁与国家治理的重要历史窗口。
摘 要:行炉是专为佛教供养仪式而创造的手执小型香炉,最早见于魏晋南北朝时期的石窟壁画,随着时代发展,其形制逐渐丰富。以绘画图像为核心材料并结合考古实物与文献,文章将可置于平面、便于手执或手握的小型香炉统一定义为行炉,从整体视角考察其发展演变,进行图像的分析探讨。行炉随其物质基础和使用场景的变化而发生功能转向,从服务于佛教行香仪式,到被纳入唐代国家礼制,再至宋代融入文人日常生活,成为修心养性的文化符号。这一演变过程,正是佛教中国化进程中器物功能深层调整的缩影。
摘 要:汉安夏布绣作为川南地区独特的民间艺术,其粗犷质朴的肌理与传统的重彩纹样形成了鲜明的地域风格。然而,在当代审美语境下,传统夏布绣面临纹样程式化、色彩单一化及与现代生活脱节的困境。本文旨在探讨汉安夏布绣纹样与中国画技法的创新融合路径,寻求传统刺绣工艺向当代艺术表达的转型。文章首先分析了汉安夏布绣的材质特性与中国画笔墨语言之间的视觉通感;其次,重点研究了汉安夏布绣纹样与中国画技法创新融合的具体技法路径,包括针法对笔法的转译、色彩的结构与重组、构图的破与立等。且超越了技法层面的融合,在审美意蕴上实现了共生。最终提出“以绣传神、以布代纸”的融合策略,为非遗夏布绣在当代艺术设计中的活化应用提供理论依据与技法参考。
摘 要:蒋彝旅居海外四十余年,坚持不懈地致力于中国文化的传播。仅就中国书法的海外传播方面而言,他就做出了巨大的贡献,堪称近代中国书法在海外的首要传播者。他通过展览活动、讲座教学、人际交往、游记插图(书法作品)以及著述《中国书法》等具体途径,在海外传播中国书法,为西方人理解和喜爱中国书法做了大量工作。尤其他的《中国书法》是系统地在海外传播书法艺术的第一本英文著作,出版问世已80余年,影响了数代喜爱中国书法的西方读者,至今仍在西方出版发行,依然承担着传播中国书法的文化使命。
摘 要:学界常以“式微”论南宋书法,然多聚焦技法表象评判,缺乏书法技法意识维度的深层探析。本文以陈方既《书法技法意识》的理论为依托,界定书法技法意识的内涵并对比南北宋技法意识的差异,认为北宋为创变型、南宋为从理型。通过对南宋书家群体的类型分析,得出其技法意识内敛保守、创作趋于固步自封、点画形式弱化的整体倾向;并从客体环境、主体思想、书法本体三方面探析南宋技法意识转向的深层动因。研究表明,南宋书法并非技术层面的退化,而是技法意识向内收敛、多重因素束缚的结果,由此应该重新审视南宋书法“式微”的本质。
摘 要:20世纪上半叶,随着中国社会结构的变迁,书法经历了从文人余事到学科化、从实用到艺术的转型过程。表征在书法艺术风格上,取得了碑帖并举、书风面貌多元化的成果。然而,这一成果在20世纪中叶后的一段时期内未能得到渐进延续的发展,80年代迄今,随着新观念的不断发展,书法发展却呈现出同质化的艺术倾向,造成了艺术风格演进中的“断裂”。
摘 要:石膏像作为基础造型训练中常用的教具,于20世纪初随近代中国新式美术教育体系的建立而引入。其引入与推广既源于造型训练的实际需求,亦受到当时社会思潮的深刻影响。30年代后,随着对过度偏重写生教学的反思,石膏像教学逐渐与临摹传统融合,成为现代美术专业基础训练中的重要环节。笔者通过梳理相关文献,探讨石膏像在近代中国的传入历程、教育功能及其象征意义,并分析美术教育家对其写生教学的不同观点。石膏像不仅被视为训练“心、眼、手”协调能力的有效教学工具,亦被赋予“西方美术的象征”“写生观念的载体”等多重文化意涵。
摘 要:传统中小学美术教室封闭、标准化的局限,使其难以落实《义务教育艺术课程标准(2022年版)》对艺术与生活融合的要求。粟上海·社区美术馆的兴起,以其嵌入社区、强调参与的特征为美术教学空间的拓展提供了可能;这种拓展并非简单的场地转移,而是存在物理、权力、知识、关系四重边界。本文借鉴相关理论提出边界协商框架,从空间、主体、内容等维度给出重构路径,建立持续协商机制以实现教室与美术馆弹性衔接;这一重构使空间成为培养学生地方感与公共意识的课程内容,也推动教师向社区艺术协调者转型。
摘 要:南宋黄裳所绘《地理图》原为进献嘉王赵扩的帝王进学图本,后由王致远于淳祐七年摹刻成碑。既有研究多从制图年代与政区沿革等角度考察此碑,而较少讨论其作为碑刻图像的政治属性。文章以“碎片”为分析视角,指出宋碑《地理图》的碎片性不仅体现为碑面断裂与石质残损,更体现为其从“八图”体系中的剥离、从王府私密劝谏图像向公共碑刻的媒介转换。文章通过重构《地理图》的原初使用语境,考察其摹刻与流传过程,并将其与《禹迹图》《华夷图》《九域守令图》等宋代地图碑刻比较,揭示《地理图》在南宋中兴想象与观看政治中的特殊意义。由此,《地理图》碑不应仅被视为宋代地图测绘技术的遗存,而应被理解为一件在破损与再阐释中持续生成意义的艺术史对象。
摘 要:《燃比娃》作为上海美术电影制片厂首部宣纸手绘动画长片,既承继“中国动画学派”的民族化精神,又探索动画艺术本体的创新。叙事上突破“忠实于原著”的改编原则,将羌族神话改写为现代成长故事;视听上融合宣纸手绘与多种动画语言,建构“文化在场”的视听体验;美学上通过宣纸手绘的本体转向与宣发符号的互动,展现“作者性”与大众接受的张力。影片从叙事、视听、美学三个维度进行创新,为国产动画建构文化主体性提供参照。
摘 要:随着生成式人工智能广泛介入艺术生产,AI 艺术在公共审美领域获得高度关注,同时也引发关于艺术性、创造力与主体性的持续争议。受众对 AI 艺术的评价并不完全取决于作品本身,常受到 “AI 生成” 标签、作者身份预设、真实性期待等因素的影响,呈现出系统性的认知偏差。本文从艺术接受与审美心理的角度出发,梳理出受众对 AI 艺术认知偏差的主要表现,再结合心智知觉理论、作者中心主义、真实性期待等理论,分析这些偏差形成的心理机制。受众对 AI 艺术的判断受到创作者身份心智归因的影响,而媒介传播在一定程度上放大并固化了这种偏差。对 AI 艺术认知偏差的分析,不仅有助于理解其接受困境,也为反思当代艺术观念中关于主体性、真实性与人类独特性的深层预设提供了新的视角。